Najważniejszą zasadą prezentowania sztuki współczesnej dzieciom i młodzieży jest stworzenie atmosfery wolności myśli, słowa i wyboru. Spotkania w galeriach powinny przybierać charakter partycypacyjny, dając możliwość młodemu widzowi podążania za tym co go intryguje, zachwyca, pociąga. Ważnym aspektem jest też stworzenie warunków do własnej twórczości, przetransformowania emocji w działanie plastyczne lub ruchowe. Chcąc uczyć dzieci i młodzież jak patrzeć na dzieło sztuki, jak przeżywać kontakt z malarstwem, rzeźbą, instalacjami trzeba ich zaangażować i dać przestrzeń do własnej analizy i oceny.

Dlaczego zgłębianie swojej wiedzy o sztuce w kontekście kupowania dzieł warto rozpocząć od wycieczki po publicznych instytucjach kultury? Co tego typu miejsce może zaproponować osobom, które chciałyby rozpocząć swoją przygodę z nabywaniem twórczości wizualnej lub po prostu silniej zorientować się w temacie kolekcjonowania? Na jakie kluczowe kwestie pozwala ono zwrócić uwagę i dlaczego są to kwestie odmienne niż w przypadku prywatnych instytucji sztuki? Dlaczego warto wspierać artystów zamiast kupować masowe przedruki? Katarzyna Zahorska, bazując na jej wystawienniczym programie, przybliży zagadnienia związane z określoną specyfiką ekspozycyjnych wyborów tego typu przestrzeni, a także ich znaczenia dla kształtowania (również rynkowych) tendencji w obszarze sztuki.

Wchodzisz na targi, przeglądasz Instagram, szukasz pracy do mieszkania – i masz wrażenie, że wszędzie jest to samo. Albo że „to wszystko jest jakoś… nie Twoje”. Spokojnie. Ciekawych artystek i artystów naprawdę nie brakuje.

Trzeba tylko wiedzieć, gdzie ich szukać – i jak ich zauważyć.
Spoiler alert: wpisanie hasła „artysta” w wyszukiwarkę Instagrama nie wystarczy. Dlatego w tej prelekcji podpowiem, jak nie utknąć w bańce, jak korzystać z social mediów, wydarzeń offline i poleceń, jak nie bać się zadawać pytań – i jak zbudować wokół siebie swój własny, świadomy ekosystem estetycznych (i etycznych) wyborów.

Jeszcze kilkanaście lat temu obcowanie ze sztuką wymagało fizycznej obecności: w galerii, na wystawie, na przeglądach końcoworocznych ASP, w katalogach – najczęściej drukowanych. Dziś wystarczy smartfon. Ekran, który towarzyszy nam każdego dnia. I choć to ogromna zmiana na plus (bo sztuka stała się bliższa, bardziej dostępna, często wręcz zapraszająca), to zmieniło się też coś znacznie głębszego: nasze spojrzenie.
Czy scrollując przez kilkaset obrazków dziennie, naprawdę widzimy dzieło? Co zyskujemy, a co tracimy, gdy obraz staje się tylko jednym z postów? Jak nie zgubić sensu w estetyce? Jak odróżnić popularność od wartości? I co to mówi o nas jako odbiorcach?

Nie musisz mieć dyplomu historii sztuki, żeby kupić swój pierwszy obraz. Nie musisz rozumieć każdego symbolu. Nie musisz traktować zakupu jak inwestycji, która musi się zwrócić. Sztuka to nie giełda. Sztuka to emocje. Bliskość. Reakcja. I bardzo osobisty wybór.

W tej prelekcji opowiem, jak kupować sztukę intuicyjnie, dlaczego warto pozwolić sobie na wybór „bo mi się podoba” – i czemu to wystarczy. Pogadamy o tym, że wspieranie młodych, lokalnych twórców ma większy sens niż kupowanie kolejnego wydruku z Ikei. I że to, co wisi na Twojej ścianie, może być nie tylko estetyczne, ale i znaczące. Nawet jeśli kosztowało dziesiątek tysięcy złotych.

„To tylko trochę farby na płótnie, a tyle kosztuje?” – to pytanie, które pojawia się z zaskakującą regularnością. I choć bywa irytujące, to często bierze się po prostu z niewiedzy. Bo cena pracy artysty to nie tylko materiały. To godziny prób i błędów. To edukacja. To lata pracy nad stylem. To ryzyko, że przez miesiąc nie sprzeda się nic i odpowiedzialność za każdą podpisaną pracę. W tej prelekcji porozmawiamy o tym, co naprawdę kryje się za ceną dzieła sztuki. Czym różni się „drogo” od „uczciwie wycenione”. Kiedy warto zainwestować, a kiedy warto po prostu zapłacić z szacunkiem. I jak być świadomym odbiorcą, który wspiera – a nie tylko kupuje.

Prelekcja skierowana jest do świadomych odbiorców sztuki, którzy cenią zarówno jej wymiar estetyczny, jak i praktyczny. Spotkanie ukazuje sztukę jako dobro o podwójnej wartości – emocjonalnej i materialnej. Z jednej strony pozwala zanurzyć się w świecie wrażliwości i piękna, z drugiej – skłania do refleksji nad sztuką jako odpowiedzialną i długoterminową inwestycją. To propozycja dla tych, którzy pragną pogłębić swoje doświadczenie odbioru sztuki, odkrywając jej znaczenie w równowadze między przeżyciem a świadomym wyborem.

Prelekcja zabierze uczestników w fascynującą podróż po świecie grafiki artystycznej. W prosty i ciekawy sposób zostaną omówione różne techniki – od litografii i serigrafii, przez techniki metalowe, aż po mezzotintę. Dowiemy się, jak rozpoznawać poszczególne metody, jakie materiały i narzędzia wykorzystują artyści oraz na co zwracać uwagę, wybierając dzieła do swojej kolekcji. Spotkanie pomoże lepiej zrozumieć, co kryje się za procesem twórczym, a tym samym pełniej docenić wartość i piękno grafiki. Na zakończenie przewidziana jest sesja pytań i odpowiedzi.

Wspólnie z Marzeną Gawrysiak wyrzeźbicie miniaturowe wypoczywające postaci. Właśnie od tego zaczęła się praca artystki, która każdego dnia siada do stołu i tworzy nowe figury. Jej specjalnością są terakotowi plażowicze – każdy z nich ma imię i własną historię. 

Rzeźbiarka pokaże, jak od podstaw stworzyć figurkę, z dbałością o każdy detal. Godzina z gliną, uśmiech na twarzy  i wakacyjny klimat. Dzięki tym warsztatom wrócicie na plażę z każdym spojrzeniem na swoją pracę.